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La Maison, Maison de la culture de Nevers agglomération
2 Boulevard Pierre de Coubertin, 58000 Nevers
La Maison, Maison de la culture de Nevers agglomération est un lieu culturel où se sont tenus des rendez-vous de théâtre, d’improvisation et de musique, dont Smashed, Parasite et Boy Erased.
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Cochons d'Inde
La Maison, Maison de la culture de Nevers agglomération
Alain Kraft, bourgeois quinquagénaire d’origine modeste, se rend à sa banque pour effectuer un simple retrait d’espèces. Mais lorsque sa carte bancaire est avalée par le distributeur, l’incident prend une tournure inattendue. Contraint de s’expliquer, il découvre que l’établissement banquaire a été racheté par un groupe indien et qu’il est désormais soumis... aux lois indiennes. On lui reproche alors d’avoir enfreint la loi en s’étant enrichi et en ayant « changé de caste », une infraction qui l’empêche de quitter les lieux. Arnaud Ducret, révélé notamment dans la série Parents Mode d’emploi, est entouré sur scène de Maxime d’Aboville, lauréat d’un Molière pour The Servant en 2015, et d’Emmanuelle Bougerol, plusieurs fois nommée aux Molières et lauréate en 2025 du Trophée de l’artiste interprète féminine pour Orgueil et Préjugés... ou presque. Entre satire sociale, quiproquos et humour grinçant, Cochons d’Inde propose une histoire intelligente et mordante, où l’absurde révèle avec finesse les dérives du pouvoir et des règles administratives. Cochons d’Inde est nommé aux Molières 2026 dans la catégorie Comédie.
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Hiroshima mon amour
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Au fil de cette relation, les souvenirs d’un autre amour l’assaillent : à Nevers, pendant la guerre, elle a aimé un soldat allemand... Un grand classique du cinéma au scénario signé Marguerite Duras. Suivi d'un débat animé par Daniel Ramirez. De : Alain Resnais - 1959
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La Salida
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Chorégraphe et danseur à la carrière internationale, Rubén Molina nous invite à une redécouverte contemporaine et audacieuse du flamenco. Entouré de quatre danseuses, d’une cantaora et d’un guitariste-percussionniste, il enchaîne des figures qui révèlent la précision de sa technique et appuient son propos engagé. Œuvre profondément cathartique, La Salida se construit dans un espace où chaque mouvement porte sa propre histoire. Son titre, signifiant « La Sortie », symbolise l’ouverture vers de nouvelles expériences. Inspiré de son histoire personnelle, il souhaite questionner les stéréotypes et les préjugés encore présents dans notre société en donnant une voix aux minorités discriminées et invisibilisées. La danse est un véritable moyen d’expression pour dépeindre la douleur, la colère et la tristesse, mais aussi la résilience, la force, la transformation et l’espoir, reflétant ainsi tout ce qui est vécu et ressenti par chacun. Son parcours riche et éclectique de danseur professionnel, notamment comme soliste au Ballet-Théâtre espagnol de Rafael Aguilar, l’a conduit à collaborer avec les milieux du théâtre, du cinéma, de la musique, de la publicité et de la mode. Rubén Molina a reçu le Prix du public au Sobanova Danse Awards 2021, avec la pièce Geminvs, en duo avec le soliste de l’Opéra de Paris et du Béjart Ballet, Allister Madin. Un spectacle engagé, où la danse contemporaine rencontre la tradition de la danse classique espagnole, dans un dialogue vibrant.
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Les peintres au charbon
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Dans les années 1930, un groupe de mineurs se prend de passion pour l’art presque par hasard. De la mine aux galeries, leur parcours inattendu bouscule les frontières entre monde ouvrier et création artistique. Parmi eux, Oliver se distingue. Ses toiles attirent bientôt l’attention des érudits. Mais comment un tel talent peut-il naître après des journées passées au fond de la mine ? Tous deviennent artistes à force de pratique et de labeur. Comment, alors, un mineur muni d’un pinceau et d’un chevalet devient-il, face à sa toile, un créateur reconnu ? Cette pièce interroge la légitimité : faut-il appartenir à un milieu cultivé, disposer de temps et de soutien, pour se sentir autorisé à créer ? Combien de talents restent enfouis faute d’opportunité ? Une fois reconnus, ces hommes sont-ils condamnés à ne raconter que leur quotidien pour être acceptés par un milieu élitiste, ou peuvent-ils aller au-delà ? Porté par une mise en scène évolutive et une ambiance sonore forte, l’oeuvre de Lee Hall (Billy Elliot, Rocketman...) donne à voir la transformation de ces ouvriers en artistes, prouvant que la créativité n’a ni classe sociale, ni frontières. Un plaidoyer à l’émancipation par l’art !
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Jardin secret de Monet
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Venez découvrir ou redécouvrir l’OHVN et ses 70 musiciens à travers une programmation variée, à destination de tous les publics. Laissez-vous surprendre ! Un concert mêlant des tableaux impressionnistes représentés sur scène et des compositions originales modernes de Pierre-Antoine Savoyat, Paul Dooley ou encore d’Oscar Navarro
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Le rapt de Louis Garrel
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Louis, comédien reconnu (inspiré de Louis Garrel), sifflote sous la douche en écoutant les informations du matin. Confortablement installé dans son appartement bourgeois, la violence du monde ne le concerne pas. Mais tout à coup, Bryan, un ancien camarade de l’école de théâtre, tente de s’introduire dans son appartement. Bien décidé à entrer coûte que coûte, il multiplie les stratagèmes aussi maladroits que déroutants. Que cherche-t-il vraiment ? À faire lire son scénario ? À soutirer de l’argent ? Ou simplement à rappeler qu’il existe encore ? De travestissements en mensonges, nous découvrons peu à peu les motivations et récriminations de Bryan. Ayant probablement échoué, il lui impose de jouer avec lui un extrait du Misanthrope. Son objectif est simple : prouver qu’il est le meilleur, et ainsi montrer à Louis que sa place sur l’échelle sociale n’est pas la bonne. En 2004, Bryan Polach, auteur et metteur en scène de la pièce, partage sa promotion au Conservatoire national supérieur d’art dramatique avec Louis Garrel, fils du réalisateur Philippe Garrel. À travers cette comédie, il questionne les mécanismes de reproduction sociale, de déterminisme et d’inégalités. Le milieu du cinéma, où l’apparence et le regard de l’autre exercent une pression constante, en offre un terrain particulièrement révélateur. L’échec est tabou, tandis que la précarité s’intensifie.
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Nora Hamzawi
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Quand tes deux dernières recherches Google sont « temps parcours bombe atomique » et « méthode pour rajeunir sans effort » ça parait clair qu’il y a un rapport au monde pas sain. Nora Hamzawi revient sur scène au plus près de son intimité, utilisant son couple comme sas de décompression au chaos extérieur
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Soirée de clôture Festival Drôle de Loire
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Soirée de clôture – Festival Drôle de Loire Le Festival Drôle de Loire se clôturera en beauté avec le spectacle de Marine Leonardi, le 28 novembre prochain. Autour de la représentation, avant comme après le spectacle, le public sera invité à participer à des animations festives et décalées : ateliers de caricatures humoristiques avec des illustrateurs et coiffures loufoques réalisées en direct... Une soirée de clôture placée sous le signe du rire, du partage et de la bonne humeur ! Le CFA de Marzy coiffe la soirée avec humour Avant le spectacle, les élèves du Campus des Métiers de Marzy accueilleront les spectateurs avec une animation aussi originale que déjantée à La Maison. Cheveux courts, cheveux longs, avec ou sans volume… peu importe ! Ne soyez pas timide, tentez l’aventure capillaire ! Nos jeunes talents du Campus des Métiers de Marzy vous accueillent dans leur salon de coiffure éphémère à la Maison pour vous créer, en quelques minutes, une coiffure déjantée, atypique ou complètement loufoque avant votre spectacle. Parce qu’au festival, le rire commence parfois… par les cheveux ! Envie de tenter l’expérience ? Rendez-vous au salon éphémère et osez une coiffure à la hauteur du festival ! Les Illus’ de Nevers investissent La Maison après le spectacle À partir de 22h, après le spectacle de Marine Leonardi, à La Maison, 4 membres des Illus’, des illustrateurs de Nevers, ouvrent un stand où le public peut créer, dessiner et repartir avec une illustration personnalisée dans l’esprit du festival : Ce collectif d’illustrateurs neversois proposera au public une série d’ateliers et d’animations participatives : • Randy Bertil réalise des caricatures simples ou hybrides, comme un visage humain avec un corps de silure, en quelques minutes, pour tous les publics, avec un dessin humoristique et immédiat. • Flora Jamar transforme mots tirés au hasard et fragments dessinés à l’encre en personnages, créatures et petites histoires inattendues, à travers un atelier de collage et dessin participatif, ludique et accessible. • Cyrille Berger capte les visages en photo, les déforme, dessine instantanément une caricature à votre image, ajoute le prénom et la signature du festival, puis envoie le dessin et le film time-lapse par numérique. • Jean-Baptiste Vanderheyden crée des stickers personnalisables en lien avec les spectacles, avec des gabarits et éléments mis à disposition pour que chacun puisse composer son propre sticker. Quatre ateliers différents, pour que le public repart avec une création unique, drôle et liée au festival. ________________________________________
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Marine Leonardi - Mauvaise Graine
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Ne vous inquiétez pas, son mari la préfère sur scène qu'en cuisine. Marine Leonardi décortique avec cynisme et humour noir les contrariétés du quotidien, du couple en passant par la maternité. Un spectacle libérateur dont vous sortirez en pensant: "j'osais pas le dire".
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La planète sauvage
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Et si nous étions réduits... à l’état d’animaux de compagnie ? Sur la planète Ygam, des androïdes géants appelés les Draags élèvent de minuscules êtres humains qu’ils surnomment Oms. Mais un jour, l’Om de la jeune Tiwa se révèle plus intelligent et va déclencher une révolte... De René Laloux - 1973 Film d'animation Avec les voix de Jean Valmont, Jennifer Drake, Sylvie Lenoir Suivi d'un débat animé par Julien Labia.
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Le procès d'une vie
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À l’été 1971, Marie-Claire, 16 ans, tombe enceinte après avoir été violée par un garçon de 18 ans. Refusant de garder l’enfant, elle souhaite avorter, bien que cet acte soit sévèrement réprimé par la loi. Sa mère, Michèle, entourée de Lucette, Renée et Micheline, la soutiennent. Mais l’avortement tourne mal... À l’automne 1972, ces femmes sont inculpées pour avortement clandestin. Le tribunal de Bobigny devient alors le théâtre d’un affrontement décisif entre une loi perçue comme injuste et la réalité vécue par des milliers de femmes. Une avocate prend la tête de la défense : Maître Gisèle Halimi. Militante engagée, elle transforme le procès en tribune politique. En plaçant la parole des femmes au centre des débats, elle dénonce un système qui condamne celles qui avortent, mais ferme les yeux sur les violences qu’elles subissent. Le courage de Marie-Claire Chevalier et de ses coaccusées fera entrer l’affaire dans l’Histoire. Ce procès marque un tournant majeur dans l’opinion publique et ouvre la voie à la Loi Veil, portée par Simone Veil, qui légalisera l’interruption volontaire de grossesse en 1975. Le procès d’une vie est nommé aux Molières 2026 dans la catégorie Théâtre privé. Jeanne Arènes est nommée aux Molières 2026 dans la catégorie Comédienne dans un second rôle. Barbara Lamballais et Karina Testa sont nommées aux Molières 2026 dans la catégorie Autrice francophone vivante.
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Lisa Pariente
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Avec ses tenues colorées, ses moues théâtrales et son franc-parler irrésistible, Lisa Pariente cultive l’allure de la « girl next door » : spontanée, sans filtre et furieusement attachante. Derrière son mètre cinquante-six et sa jovialité contagieuse se cache une artiste à la voix puissante et agile, qui a su transformer l’autodérision en véritable signature. Révélée fin 2019 grâce à son adaptation française du hit Dance Monkey de Tones and I, elle séduit des millions d’internautes. En 2020, sa parodie du Chandelier de Sia, rebaptisée Corona Song , devient virale et l’impose comme l’une des voix les plus créatives de sa génération. Repérée par W9, elle y tient une chronique musicale remarquée. Admiratrice de Billie Eilish et de Charlotte Cardin, épaulée par le producteur Moon Boy, Lisa Pariente affirme aujourd’hui un univers pop lumineux et mordant. Entre refrains fédérateurs et paroles espiègles, ses titres, comme Ruelle sombre ou Ta couleur préférée , captent l’air du temps, parlent d’amour, de ruptures et des contradictions d’une génération. Son énergie explosive et sa fraîcheur percutante vont électriser la grande salle de La Maison !
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De Vienne aux brumes d'Écosse
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Entre grâce classique et souffle romantique, ce programme invite à un voyage musical contrasté, avec Mozart et Mendelssohn. Le Concerto pour flûte et harpe de Mozart en do majeur est une des oeuvres les plus populaires de la musique classique (plus particulièrement son deuxième mouvement). Il a été composé en mai 1778 à Paris sur commande du duc de Guisnes, flûtiste, pour son usage et celui de sa fille aînée, Marie-Louise-Philippine, harpiste. Ce concerto sera suivi de la Symphonie n°3 en la mineur, dite « Écossaise » de Félix Mendelssohn-Bartholdy, composée sur une période de plus d’une décennie. Elle est le fruit d’un voyage inspirant en Écosse en 1829 du compositeur, au cours duquel il visita des sites tels que les ruines de la chapelle de Holyrood à Édimbourg, l’incitant à esquisser les premières idées de cette symphonie. Cependant, ce n’est qu’en 1842 qu’il acheva et présenta l’oeuvre à Leipzig. Claudine Bonodot-Martin : Formée à Nevers, Tours et au CNSM de Paris, où elle obtient plusieurs premiers prix, elle est titulaire du Certificat d’Aptitude et d’une licence de musicologie. Professeur de flûte au Conservatoire de Nevers et flûte solo de l’Orchestre Symphonique des Concerts Nivernais depuis 1997, elle a fondé le Duo Fantasia avec Gilles Martin. Céline Mata : Diplômée du Conservatoire national supérieur de musique de Paris après des études à Nancy et Reims, elle se produit en soliste et en orchestre, enseigne la harpe en Île-de-France, crée des spectacles autour de son instrument, participe à des enregistrements et est depuis 2021 directrice artistique de l’Académie Musicale du Montet.
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Miche et Drate
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Installés dans une prairie en pente douce, Miche « le rond » et Drate « le sec » évoluent en parfaite harmonie avec la nature. Autour de ces deux figures métaphysiques sans âge ni sexe, rien n’existe encore. Ils essaient alors de comprendre comment était l’homme avant sa sociabilisation. Quelle place avons-nous dans le monde ? Comment le percevons-nous ? Quelles visions avons-nous chacun des rapports de pouvoir, des querelles, de l’amitié, de l’amour ? Que signifie vraiment prendre le temps de s’ennuyer, d’attendre, de contempler ? Autant de pistes qui, avec simplicité et profondeur, ouvrent un espace de réflexion sur nos émotions, nos contradictions et notre manière de vivre. Le clown et la philosophie ont en commun de s’étonner des choses, de les questionner dans tous les sens. Avec presque rien, ils construisent et déconstruisent sans cesse un univers entier. Gérald Chevrolet signe ici un texte subtil en endossant l’habit de philosophe et d’homme de théâtre. Miche et Drate relève ainsi le pari audacieux de marier le clown à la pensée, mêlant poésie, humour et émotion dans un spectacle aussi accessible que profond, où le rire devient un chemin vers la réflexion.
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Full Moon
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Sur scène, sept danseurs accompagnent Josef Nadj pour tisser une chorégraphie où se mêlent intimité et collectif. Venus du Mali, du Sénégal, de Côte d’Ivoire, du Burkina Faso et du Congo-Brazzaville, ils puisent leurs énergies au plus profond d’eux-mêmes, dans la mémoire de leurs histoires personnelles, de leurs traditions et de leur imaginaire. Emerge alors une danse acrobatique et dynamique mêlant diverses influences, sur des rythmes intimement liés à la terre et à l’identité. Cette exploration vibrante des origines du mouvement et de la mémoire du corps a été composée dans la continuité de Omma, créé par Josef Nadj en 2021. Full Moon résonne avec l’esprit du jazz noir américain (1950-1980), période d’effervescence du free jazz et de l’improvisation. Traversée par la puissance des cuivres, le souffle des percussions et l’énergie du direct, la danse se fait libre, instinctive, faite d’élans bruts et d’accents imprévisibles. Fidèle à son univers, Josef Nadj introduit également la figure de la marionnette, instaurant un trouble poétique entre le corps vivant et l’objet animé. Une expérience sensorielle intense, où la danse devient souffle, rythme et pure présence.
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Calogero
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Concert exceptionnel de Calogero, au milieu d’une tournée effrénée uniquement pensée pour les théâtres ! Après avoir sillonné les Zénith et Arena, Calogero fera une halte très attendue à Nevers pour offrir au public un concentré de son parcours en concert. Figure majeure de la scène musicale française depuis plus de deux décennies, Calogero s’est imposé par sa voix singulière et ses textes sensibles et engagés, souvent en prise avec les questionnements de notre époque. Ce concert propose un véritable voyage, avec une sélection de « morceaux choisis », revisités dans des versions inédites mettant en lumière toute la force et la modernité de son univers musical. Avec plus de 175 dates à travers la France et l’Europe, cette tournée des théâtres s’impose comme un moment privilégié, une occasion rare de découvrir ou redécouvrir l’univers de Calogero lors d’un moment suspendu à Nevers.
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L'habitant de l'escalier
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Ce texte de l’autrice Nathalie Papin, écrit à l’origine sur une idée de la danseuse Maribé Demaille, met en avant les choix, les épreuves et autres métamorphoses imposés à Zenoï par cet « Habitant » qui siège sur la septième marche d’un escalier, aucunement décidé à l’aider. Un texte qui pose avant tout de fortes questions existentielles, en décrivant le trajet d’une adolescente en pleine quête identitaire, l’inévitable mutation de l’enfant à l’adulte. En conservant le fil de départ via la danse aérienne, dans l’espace d’une structure ascensionnelle en bambou inspirée des Villes invisibles d’Italo Calvino, Marie Teissier met en valeur le corps en suspension qui traverse les dangers du déséquilibre pour retrouver sa force et ses certitudes, malgré les multiples obstacles rencontrés. Passant de la batterie au métallophone, du saxophone soprano à la clarinette basse, deux musiciens composent en live un poème symphonique de transe jazz, construit en sept tableaux sonores, ouvrant des espaces qui accompagnent la progression dramaturgique des personnages. L’habitant de l’escalier est un voyage initiatique, poétique et musical qui interroge notre manière d’habiter le monde et de transmettre ce qui nous construit. Un espace sensible qui stimule la part de nous-mêmes, nous poussant à avancer à chaque instant.
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Vertige, Manhattan Transfert
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Adaptée du roman de John Dos Passos, cette nouvelle création de Léonard Matton, artiste associé à La Maison, déploie une “pièce-ville” vivante, ancrée dans le New-York de l’entre-deux guerres. Douze comédiennes incarnent une multitude de destins entremêlés. Portée par une mise en scène immersive, la pièce, qui occupe simultanément divers espaces de La Maison, invite les spectateurs à circuler librement au coeur de l’action, au plus près des corps, des voix et des récits. Imprégnée d’un siècle de création musicale - du jazz à l’électronique, elle fait éprouver physiquement l’accélération du monde moderne. Images, sons et technologies immersives prolongent l’expérience et brouillent les repères, invitant chacun à devenir explorateur de cette fresque sensorielle, au coeur d’un monde en perpétuelle évolution. En faisant dialoguer les révolutions industrielles d’hier avec les mutations numériques d’aujourd’hui, Vertige, Manhattan Transfert questionne notre rapport aux nouvelles technologies : comment transforment-elles nos imaginaires, nos corps et nos relations ? Entre présence humaine et dispositifs interactifs, la compagnie Emersiøn met en tension l’émotion du vivant et la puissance des machines. Une expérience, à la croisée des époques, où se rencontrent mémoire du passé et imaginaires du futur.
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Potiche
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Dans la ville tranquille de Sainte-Gudule, rien ne semble pouvoir troubler la vie bien rangée de la famille Pujol. Et pourtant... Quand Robert, patron austère d’une usine de parapluies est victime d’un malaise, son épouse Suzanne se voit contrainte de reprendre les rênes de l’entreprise. Docile et dévouée, Suzanne se révèle finalement une cheffe d’entreprise brillante et inattendue, et finit par gagner le respect de tous. Adaptée de la célèbre pièce Potiche de Pierre Barillet et Jean-Pierre Grédy, cette comédie nous plonge avec humour dans les mutations sociales et politiques des années 70. Le personnage de Suzanne, d’abord relégué par son mari au rôle décoratif de “potiche”, incarne ici une véritable revanche sociale et féministe, faisant écho aux évolutions de la société française de l’époque. Dans cette version revisitée, le metteur en scène Charles Templon réunit un casting cinq étoiles. Sous son oeil vif, Clémentine Célarié, énergique et libre, se mêle au comique et à l’excentricité moderne d’Hugo Bardin sous les traits de Paloma, drag-queen révélée par l’émission Drag Race France. Autour de ce duo, Jérôme Pouly, ancien sociétaire de la Comédie-Française, Benjamin Siksou et Alexie Ribes enrichissent la pièce avec vivacité. Gardez-vous des apparences, car le pouvoir ne se trouve pas toujours là où on l’imagine, et chacun de nous recèle d’incroyables ressources. Une pièce à la fois drôle, piquante et résolument moderne ! Potiche est nommée aux Molières 2026 dans la catégorie Comédie.
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Et nous serons sauvés
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À Paris, le soir de ses 35 ans, Julien fête son anniversaire en boîte avec son compagnon et une amie lorsqu’un message vient bouleverser la nuit : sa mère, qu’il n’a pas revue depuis dix-sept ans, est en route pour le retrouver. Elle a nourri les poissons et le chat et laissé un Tupperware de bœuf bourguignon au frigidaire pour son père. Au gré de leurs souvenirs, nous découvrons le passé de Julien : l’annonce de son coming-out, le premier rendez-vous avec un thérapeute promettant une impossible « guérison », un camp d’été où l’on apprend la virilité, l’amie qui préfère le cancer aux homos parce qu’au moins le cancer on sait comment le traiter. Mais aussi, son père souvent absent qui lui apprend à réparer la roue d’un vélo, rudiment de la masculinité, et sa mère, quant à elle, très présente qui l’encourage à chanter Patricia Kaas avant de lui jeter du sel purificateur au visage, le démon de l’homosexualité, il faut l’exorciser ! Entre un père distant et une mère omniprésente, Julien grandit sous le poids des injonctions, tandis que son désir demeure intact. Il ne lui reste alors pas d’autre choix que de partir et de vivre sa métamorphose salvatrice d’une vie libre et gay loin de la cellule familiale. Dans cette fresque sensible, Pierre Hélie et Georges Vauraz explorent les dégats laissées par les thérapies de conversion et les injonctions familiales. Peut-on se reconstruire après de telles blessures ?
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Boy Erased
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Craignant le rejet de sa famille, de ses amis et de sa communauté religieuse, Jared est poussé à entreprendre une thérapie de conversion (aussi appelée thérapie réparatrice ou thérapie de réorientation sexuelle). Il y entre en conflit avec le thérapeute principal, découvrant et revendiquant progressivement sa réelle identité. Une pièce, un film - En lien avec la programmation De Joël Edgerton - 2018 Avec Lucas Hedges, Nicole Kidman, Joel Edgerton , Russel Crowe En lien avec le spectacle Et nous serons sauvés .
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Gauvain Sers
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Après trois albums couronnés de succès, deux disques de platine, plus de 500 concerts et un parcours jalonné de salles emblématiques – de La Cigale au Zénith de Paris, en passant par un premier Olympia complet – Gauvain Sers signe un retour très attendu avec son nouvel album, Boulevard de l’enfance. Fidèle à son écriture sincère et engagée, il explore les contrastes qui façonnent son univers. Il entremêle humour et tendresse, confidences délicates et élans d’indignation face aux fractures de notre société. Ses chansons touchent à l’universel parce qu’elles prennent racine dans le vécu, dans une humanité simple et vraie, racontée avec pudeur et précision. Pendant quatre ans, l’artiste a choisi de se retirer de la scène pour revenir à l’essentiel : la vie, les cafés, les rencontres, les conversations partagées entre Paris et sa Creuse natale. La naissance de son enfant a marqué un tournant intime, ouvrant un regard renouvelé sur la société et sur l’avenir. Gauvain Sers promet un concert à son image : authentique, généreux et profondément vibrant.
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Rond-point ou la vision d'Emile
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Texte : Gilles Granouillet Mise en scène : Christophe Vincent Nous voici conviés au bout du monde. Ou peut-être simplement au bout du leur : un rond-point. Celui d’anciens Gilets jaunes, peut-être les derniers. Trois figures y vivent désormais : F1, Micounette et André. Ils nous attendent pour raconter les sept derniers jours qu’ils viennent de traverser. Tandis qu’ils évoquent leurs souvenirs, une Porsche Cayenne surgit de nulle part et s’arrête. À son bord, Victor et sa femme Émilienne. Ils sont à la recherche d’un lieu mystérieux : « La Vision d’Émile ». Commence alors une rencontre improbable entre deux mondes — celui d’avant, et peut-être celui d’après. Ils vont se jauger, se parler, s’affronter... et peut-être, se comprendre. Dans cette fable burlesque où se mêlent chant, taï-chi et poésie du quotidien, les personnages semblent être des clowns désabusés : drôles, fragiles, parfois cruels. Durant la crise des Gilets jaunes, ils ont fait un choix radical : s’arrêter là. Ne plus repartir. Sur ce rond-point devenu leur territoire, ils cultivent des carottes et inventent une autre manière d’habiter le monde. Victor deviendra malgré lui le bouc émissaire de cette étrange communauté. Mais à force de confrontations, peut-être découvrira-t-il lui aussi une forme de clairvoyance ? Rond-point ou la vision d’Émile est à la fois une farce et un hymne aux invisibles. Une histoire proche de notre réalité, et décalée, presque onirique. Le texte de Gilles Granouillet, mis en scène par Christophe Vincent, fait dialoguer humour, violence, contemplation et chansons, dans un rythme effréné.
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Le Tour de France
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À treize ans, France fait sa rentrée au collège. Mal dans sa peau, elle essaie de mourir. Souvent. Mais France est maladroite : le tabouret casse, la corde est trop longue, le plafonnier se décroche... Elle rate tout. C’est peut-être ce qui la sauve. Pendant ce temps, chez elle, chacun poursuit son obsession. Son père pédale frénétiquement sur une plateforme d’entraînement cycliste virtuelle, sa mère défie le temps en filmant des recettes express pour sa chaîne YouTube, et son frère Pierre, lui, n’a pour seul objectif que de perdre sa virginité. Dans cette « famille citadelle » où chacun joue le rôle que la société lui a assigné, personne ne voit la détresse de France. Personne… sauf Pan, son lapin blanc, narrateur inattendu de cette histoire. Avec l’arrivée d’Assa, nouvelle élève du collège, tout vacille. Les certitudes se fissurent et les silences se craquellent. À travers cette tragi-comédie familiale, Le Tour de France explore avec humour et lucidité les bouleversements de l’adolescence : les métamorphoses du corps, le harcèlement scolaire, la sexualité, la difficulté de dialoguer entre parents et enfants. La pièce aborde aussi, en filigrane, les peurs qui traversent notre société, le racisme ordinaire et le repli sur soi. Racontée par un lapin échappé d’un élevage industriel, l’histoire assume un décalage burlesque qui permet le rire là où tout pourrait être tragique. Car finalement, chaque chute est l’occasion de se relever et de trouver son chemin vers les autres.
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Botte de Nevers
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Parasite
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Toute la famille de Ki-taek est au chômage, et s’intéresse au train de vie de la richissime famille Park. Un jour, leur fils réussit à se faire recommander pour donner des cours particuliers chez les Park. C’est le début d’un engrenage incontrôlable, dont personne ne sortira indemne. Suivi d'un débat animé par Daniel Ramirez.
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Smashed
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Imaginé par la compagnie britannique Gandini Juggling, Smashed est un véritable tourbillon de virtuosité et de poésie visuelle. Sur scène, deux femmes et sept hommes à l’allure très « british » composent un ballet millimétré où les corps et les objets dialoguent avec une précision jubilatoire. Les pommes, loin d’être de simples accessoires, deviennent le symbole espiègle des relations humaines : désir, tension, complicité... tout s’y joue avec finesse et humour. Drôle, inventif et profondément original, Smashed bouscule les codes du jonglage traditionnel pour le rapprocher de la danse et du théâtre. Entre précision millimétrique et burlesque assumé, le spectacle atteint une intensité jubilatoire, jusqu’au final, aussi inattendu que savoureux.
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Horizon blanc
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Une nuit, la Professeure Sangria, spécialiste du sang, fait une drôle de rencontre dans son laboratoire. Qu’est-ce que ce garçon de huit ans fabrique là ? Elle n’a pas de temps à perdre, elle travaille sur un grand projet : fabriquer une pilule qui rend immortel. Mais Lucien Mortimare compte bien sur la scientifique pour l’aider à résoudre son problème. Il n’aime plus le sang. Car oui, Lucien est un vampire, il a huit ans depuis très longtemps... Trop longtemps. Si le sang le dégoûte désormais, quel plaisir trouver à la vie ? Lucien s’ennuie. Au coeur de la nuit, le petit vampire et la savante s’affrontent jusqu’à parvenir à un mystérieux pacte... En leur compagnie, le public s’interroge sur l’altérité, le sens du temps, de la vie, et les mystères qui transforment l’existence en une réelle aventure. Ce texte a été écrit à l’issue d’une immersion dans une école du Tarn, en menant des ateliers d’écriture avec plusieurs classes de CE1 autour du thème des vampires et de l’immortalité. Joséphine Chaffin a tenté de retranscrire toutes les questions existentielles, spirituelles, philosophiques, voire métaphysiques brassées par les enfants, en les incarnant par ces deux personnages hauts en couleurs. Avec une bonne dose d’humour, d’hémoglobine et de tendresse, Horizon blanc invite petits et grands à regarder l’horizon devant nous.
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Wakan - Un souffle
La Maison, Maison de la culture de Nevers agglomération
Cloches, gongs, trompes, chants initiatiques et paroles incantatoires accompagnent leurs corps et participent à la création d’une musique qui devient elle aussi prière. Inspiré des Apsaras du Cambodge, du Kut coréen, des transes amérindiennes, des fêtes dionysiaques grecques ou des danses macabres médiévales, Wakan – Un souffle transforme la scène en espace de communion, d’hommage et de célébration. Après un cycle consacré à l’eau (La mémoire de l’eau, accueilli à la piscine Aquabalt en 2023), Nathalie Pernette ouvre un nouveau champ de création sur la place de la danse dans nos vies et dans nos cultures. La chorégraphe nous entraîne dans une traversée des danses rituelles du monde où le mystère, le spirituel et la beauté des gestes se frôlent et se répondent. Le titre emprunte aux Lakotas (tribu autochtone américaine), le mot Wakan, signifiant « sacré », et imagine une prière chorégraphique qui relie ciel et terre, corps et souffle. Une invitation à ressentir, vibrer et s’élever avec les danseurs !
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Légendes de Bohème
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Au programme : L’Idylle pour cordes de Leoš Janáček Le Poème symphonique Vyšehrad de Smetana La Symphonie n°8 en sol majeur, op. 88 de Dvorak Les Concerts Nivernais, unique formation symphonique de haut niveau du département, réunit 70 musiciens, élèves, professionnels et amateurs et vous propose chaque saison des concerts de qualité.
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Vincent Dedienne
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Un soir de gala, c’était le nom de ce spectacle que j’ai joué pendant plus de trois ans, un peu partout, de Dax à Tahiti. Au lendemain de la dernière date aux Bouffes du Nord, comme j’étais triste, j’ai eu envie de prolonger un peu son histoire et la vie de ses personnages. Je me suis dit alors que les chansons étaient le parfait antidote à la mort. Les gens, les souvenirs, les sketchs, tout finit par disparaître un jour, mais les chansons non. Les chansons restent en tête. Mais transformer un spectacle comique en album de chansons mélancoliques, est-ce possible !? Apparemment oui, mais il faut que plusieurs conditions soient réunies : Il faut d’abord être un peu mélancolique soi-même, mais ça c’est bon, c’est souvent le cas des humoristes. Il faut ensuite avoir les coordonnées de bons auteurs-compositeurs. Il faut leur envoyer un message pour leur dire « Est-ce que tu ne voudrais pas choisir un moment du spectacle et en faire une chanson ?». Il faut serrer les fesses pour qu’ils disent oui. Et une fois qu’ils ont dit oui, il faut serrer les fesses pour qu’ils y arrivent. Une fois qu’ils y arrivent, il faut serrer les fesses pour que la chanson soit bien. Une fois que la chanson est bien, il faut desserrer les fesses, parce que c’est pas commode pour chanter. Vincent Dedienne
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Quadrille
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En lien avec le spectacle La Jalousie Carl Herickson, grande vedette de cinéma américaine, va, sans le vouloir, chambouler la vie d’un trio parisien : un rédacteur en chef influent, sa compagne, une actrice de théâtre, et la meilleure amie du couple, une jeune journaliste ambitieuse.
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La Jalousie
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Un fonctionnaire respectable rentre chez lui. Alors qu’il vient de tromper sa femme, il cherche toutes les excuses possibles pour expliquer son retard. C’est alors qu’il s’aperçoit que son épouse elle-même n’est pas encore rentrée ! Pris à son propre piège, il est submergé par une crise de jalousie incontrôlée, l’entrainant dans un délire obsessionnel fulgurant et dérisoire où l’imagination s’emballe et nourrit toutes les suspicions. Présentée pour la première fois en 1915, cette pièce de Sacha Guitry revisitée par Michel Fau rend hommage à cette figure iconique du théâtre français, à l’occasion des 100 ans du Théâtre de la Michodière à Paris. Entre hypocrisie et mauvaise foi, La Jalousie explore les tourments de l’amour-propre et les ressorts de la suspicion. Le décor flamboyant et les costumes somptueux plongent les huit comédiens dans la bourgeoisie du début du XXe siècle, au coeur ce cette histoire aux multiples rebondissements. Une satire aussi mordante que drôle des relations conjugales ! La Jalousie est nommée aux Molières 2026 dans la catégorie Comédie.
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